El margen cronológico del Barroco abarca el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII. Hay varios cambios desde la época del Renacimiento hasta la época del Barroco, hay un cambio fundamental en la concepción artística. El principio de la imitación renacentista es sustituida por el artificio barroco.
En el arte barroco se observa una tendencia al expresionismo, es decir, a la exageración de aquellos rasgos de la realidad capaces de fomentar intensidad emotiva.
La utilización de contrastes y oposiciones provocan en el producto artístico efectos espectaculares, este recurso es una de las constantes en el arte barroco.
- Se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, aunque ya no tienen tanta importancia, ahora se destacan más la voz superior y el bajo.
- El bajo continuo era obligatorio en una obra, era interpretado habitualmente por varios instrumentos melódicos graves ( viola de gamba, fagot...), y un instrumento armónico ( clave, órgano pasivo, laúd, arpa...).
-Bajo continuo: es una técnica de composición y ejecución propia y esencial del período barroco. Con esta técnica el compositor crea la voz del bajo pero no especifica el contrapunto o los acordes del ripiero.
-Ripiero: es una indicación que se utilizaba principalmente en las composiciones musicales de los siglos XVII y XVIII para distinguir el grupo grande de instrumentos del grupo de solistas.
Viola de Gamba 
órgano Positivo
- El desarrollo de la armonía tonal. El ritmo armónico es rápido ( cambio frecuente de acorde).
- El ritmo del bajo establece un compás claro y sencillo.
- El desarrollo de un lenguaje instrumental diferenciado del vocal, con la adaptación de la estructura musical a cada tipo de instrumento.
- La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales, como la ópera,
Ópera de Placido Domingo
El Barroco Musical (Oscar)
Georg Friedrich Händel
Georg Friedrich Händel nace en Halle (Alemania) el 23 de febrero de 1685 y muere en Londres (Inglaterra) el 14 de abril de 1759. A pesar de ser de origen alemán, Händel es conocido como un compositor del barroco británico, pues pasó la mayor parte de su vida en Gran Bretaña.
Su padre quería que él fuera abogado, pero cuando observó el interés de Händel por la música, la cual estudiaba y practicaba en secreto, cambió de idea. A la edad de 17 años fue nombrado organista de la catedral calvinista de Halle.
Al cabo de un año, Händel viajó a Hamburgo, donde fue admitido como intérprete del violín y del clavecín en la orquesta de la ópera. En 1706 aceptó una invitación para viajar a Italia, donde pasó más de tres años. En Italia, se representaron obras suyas en Florencia, Roma, Nápoles y Venecia, y al mismo tiempo Händel escribió música nueva, inspirado por la música de aquel país.
En 1710, Händel regresa de Italia y se convierte en el director de orquesta de la corte de Hanóver (norte de Alemania).
En 1727, Handel se convirtió en ciudadano británico, cambiando la forma como escribía su nombre a “George Frideric Handel”.
A partir de 1740, Händel se dedicó a la composición de oratorios, entre ellos El Mesías, que en el siglo XIX se convertiría en la obra coral por excelencia. En 1751, Händel perdió la vista mientras componía el oratorio Jefta. Murió en Londres a los 74 años.
Händel compuso 32 oratorios, 50 óperas (apróx.), numerosas piezas musicales para misas, 110 cantatas (composiciones musicales profanas o religiosas con una o varias voces a menudo acompañadas por instrumentos), 20 conciertos, 39 sonatas, fugas y suites, y otras obras orquestales influyendo profundamente a otros compositores más tardíos, como Haydn, Mozart , y Beethoven.
En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.
Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell, marcó toda una era en la música inglesa siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía (las voces se mueven simultáneamente usando el mismo ritmo y la relación armónica entre ellas crea acordes) y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana (predominante en esa época) y el oratorio (estilo musical).
Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical. Pudiéndose clasificar ésta en las siguientes categorías: óperas, oratorios, música orquestal y música para teclado.
Entre sus numerosas óperas y oratorios, cabe mencionar: Agrippina (1709), Rinaldo (1711), Amadigi di Gaula (1715), Giulio Cesare in Egitto (1724), Tamerlano (1724), Rodelinda (1725), Tolomeo (1728), Acis y Galatea (1731), Poro, re dell’Indie (1731), Esther (1732), Atalía (1733), Orlando (1733), Deborah (1733), Ariodante (1735), Alcina (1735), El festín de Alejandro (1736), Saúl (1739), Israel en Egipto (1739), Il Allegro, il penseroso e il moderato (1740), El Mesías (1741), Samson (1743), Sémele (1744), Hércules (1745), Baltasar (1745), Judas Macabeo (1746), Salomón (1748), Susana (1749), Teodora (1750) y Jephtha (1751), que son obras maestras de referencia obligada dentro del género.
Dentro de la música orquestal de Händel cabe destacar sus conciertos, sonatas y suites (piezas diferenciadas según su forma musical) para diversos instrumentos y particularmente dos obras orquestales: Música para los reales fuegos de artificio (compuesta por encargo del rey Jorge II de Inglaterra) y Música acuática (compuesta en 1717 para una travesía que el rey Jorge I de Inglaterra hizo navegando por el Támesis).
En cuanto a sus obras de música para teclado, son una de las cimas, junto con Bach, Rameau, Couperin y Domenico Scarlatti, de la música barroca para estos instrumentos. Sus obras más importantes y conocidas son dos colecciones de suites (HWV 426-433 y HWV 434-438), seis fugas (HWV 605-610) y doce conciertos para órgano (Op. 4 y Op. 7). Toda esta música está escrita para clavicémbalo (instrumento de cuerda que se pellizcan dos púas accionadas por un teclado), a excepción de 16 conciertos para órgano solista y orquesta, Op.4 y Op.7, y varios sueltos, compuestos en la década de 1730. Este novedoso y poco común género, que se adaptaba muy bien al carácter de Händel, lo interpretaba él mismo en los intermedios de sus oratorios. Händel, en estos conciertos, demostraba su talento como organista; y su original sonoridad donde con su carisma fascinaba y entusiasmaba al público. Sin embargo, en las partituras no aparecen las ornamentaciones ni las secciones reservadas a la improvisación, y cabe pensar que Händel, como Bach, fue un notable improvisador al teclado.
Para más información sobre las obras de Händel pinchad aquí: http://imslp.org/wiki/Category:Handel,_George_Frideric
Este es el vídeo de Aleluya, una pieza de El Mesias:
Vídeo de una parte de Rinaldo:
Vídeo de una parte de Rinaldo:
Rinaldo es una ópera en tres actos con música de Händel y libreto en italiano de Giacomo Rossi. Se trata de una de las obras más célebres estrenadas en el King's Theater de Haymarket (Londres) el 24 de febrero de 1711 con la participación de dos de los castrati más famosos de la época, Nicolò Grimaldi "Nicolini" y Valentino Urbani.
Vídeo Concerto Grosso op.6 nº11:
HXV69, the King Consert:
Vídeo de Jephtha:
Jephtha (en español, Jefté) HWV 70 es un oratorio (1751) de Händel con un libreto del reverendo Thomas Morell, basado en la historia de Jefté en Jueces (Capítulo 11) y Jephthas sive votum - "Jefté o el Voto" (1554) de George Buchanan.
La historia se refiere a la promesa precipitada de Jefté al Todopoderoso de que si resultaba victorioso, sacrificaría la primera criatura que se encontrara a su regreso. Le sale al paso su amada hija Iphis. A diferencia de la historia bíblica original, interviene un ángel para detener el sacrificio, e Iphis sólo necesita dedicar su vida al Señor.
Vídeo de El festín de Alejandro:
Video de Música para fuegos de artificio:
A pesar de que el principal compositor de el Concerto Grosso sea Stradella, Händel fue quien incorporó instrumentos de viento en la obra. Se compone de: cuatro a seis movimientos, en los cuales el material musical era pasado entre un pequeño grupo de solistas (un concertino) y una orquesta completa (el tutti).
HXV69, the King Consert:
Vídeo de Jephtha:
La historia se refiere a la promesa precipitada de Jefté al Todopoderoso de que si resultaba victorioso, sacrificaría la primera criatura que se encontrara a su regreso. Le sale al paso su amada hija Iphis. A diferencia de la historia bíblica original, interviene un ángel para detener el sacrificio, e Iphis sólo necesita dedicar su vida al Señor.
Vídeo de El festín de Alejandro:
Vídeo de Agrippina:
Video de Música para fuegos de artificio:
Imagen del clavicémbalo:
Hoy vamos hablar de un gran compositor italiano que igual alguno de vosotros lo debéis de conocer, es Claudio Monteverdi, y hablaremos un poco sobre su vida, por los cargos musicales por los cuáles ha pasado y sobre todo las composiciones musicales que ha creado.
En primer lugar, Monteverdi, nació en la localidad italiana de Cremona, el día 15 de mayo de 1567. En 1582, a los 15 años de edad, empezó sus estudios en su cuidad natal, con la compañía de Marco Antonio Ingegnieri, y a partir de allí, publico ocho obras de madrigales, combinando escrituras y estructuras. Luego en 1599 se casa pero el matrimonio le dura poco, hasta que en 1607 se muere su mujer
En segundo lugar hay que destacar que en el año en que murió su esposa, publicó una obra magnifica, quizá, de las mas importantes de su vida, y también en 1610 publico otra que esta relacionada con cantos iglesiásticos o religiosos, también muy reconocida.
En 1613, le ofrecieron el puesto de maestro y director del coro de la catedral de San Marcos de Venecia, en el cual, él aceptó encantadamente, y allí compuso sus obras sacras.
Por último a partir del año 1640, ya al estar bastante viejo, compuso sus últimas obras antes de morir. Antes del 1640 creó una série de óperas.
Aquí pondré dos de sus óperas de esta série:
- Il ritorno d'Ulisse in patria (1641) y L'incoronazione di Poppea (1642).
Son buenas obras.
Por último, y ya acabamos con este compositor, nombrando su muerte, que fue en la ciudad de Venecia, donde realizó sus sueños, el día 29 de noviembre de 1643 a los 73 años de edad.
Hay que añadir una cosa en el último momento, que es que, Monteverdi tenía tres hijos, y también, caso que no esta relacionado con su entorno familiar, este compositor será recordado como una de las personas que marcó la transición tradicional de la polifonía y el madrigal.
Bueno ahora pondremos alguna imagen del compositor, para que veáis como era en persona, y sin duda, también un pequeño video, en el cual podremos conocer algunas obras del barroco que creó él.
Bueno espero que os guste tanto la información, como el material multimedia.
Un saludo
EL RENACIMIENTO DE LA OPERA
(Eloy)
la ópera es una obra destinada a ser representada. La palabra opera significa "obras" en italiano. sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo escénico.
Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy. Fue escrita alrededor de 1597, bajo la gran inspiración de un círculo elitista de literatoshumanistas florentinos, conocidos como la "Camerata de' Bardi" o "Camerata Florentina". Dafnefue un intento de revivir la tragedia griega clásica, propio del Renacimiento. Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y posiblemente el texto entero de todos los roles; la ópera entonces fue concebida como una manera de "restaurar" esta situación. Dafne se halla perdida. Una obra posterior de Peri, Euridice, de 1600, es la primera ópera que ha sobrevivido. El honor de ser la primera ópera que aún se presenta regularmente le corresponde a L'Orfeo de Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607.
En la ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une:
- la música (orquesta, solistas, coro y director);
- la poesía (por medio del libreto);
- las artes escénicas, en especial la actuación, el ballet y la danza;
- las artes escenográficas (pintura, artes plásticas, decoración, arquitectura);
- la iluminación y otros efectos escénicos;
- el maquillaje y los vestuarios.
Podemos encontrar distintas operas, como la ópera italiana, ópera francesa, ópera alemana, ópera rusa o la opera en América latina. Pero en este caso ablaremos de la opera española, ya que es la que nos corresponde.
Desde mediados del siglo XVII se estrenan en España cientos de obras. En España ocurre como en el resto de los países europeos (excepto Italia) en que se representan desde el comienzo las formas teatrales más cultivadas en Europa, como pueden ser la ópera bufa, la ópera comique, lacomedia musical...
La ópera italiana es asimilada en España a partir de la década de 1720. La ópera nace en España, como en el resto de Europa, ligada a Italia desde las primeras obras de Juan Hidalgo. La ópera española, desde el siglo XVIII, está en contacto con las costumbres españolas.
Las cinco primeras décadas del siglo XIX suponen un periodo de enorme vitalidad en torno a la ópera nacional. Mucho de los grandes músicos escogieron el camino de la zarzuela y abandonar el de la opera, ya que en ese camino podrían encontrar el éxito que tanto buscaban. Pero a partir de 1874 comenzó el camino que muchos escogieron seguir, que era el de la opera. Y así comenzó los 50 años mejores de la opera-La primera concepción operística fue compuesta porTomás Bretón. Se estreno en 1889 en el Teatro Real, se represento y causo un gran entusiasmo tanto en Madrid como en Barcelona. La década de los noventa fue la más marcada de nuestra historia en la opera. En los noventa se produce la llegada al mundo de la ópera de dos de los más grandes protagonistas musicales de finales del siglo XIX, Enrique Granados e Isaac Albéniz.
Durante el siglo XX, los compositores ya alternaban con otros formatos musicales.
CARACTERÍSTICAS ESTLÍSTICAS DEL BARROCO (Aritx)
BACH OBRAS IMPORTANTES
BARROCO MUSICAL
BACH OBRAS IMPORTANTES
Johann Sebastian Bach es el nombre de pila de Bach que fue un organista, clavecinista y compositor alemán del Barroco nació el 21 de marzo de 1685 y murió el 28 de julio de 1750. Fue el más importante de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos de ellos destacados. Famoso en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, y además era el primer gran improvisador. Es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, fue la fuente de inspiración e influencia para otros compositores y músicos como Mozart, Schoenberg y muchos de los músicos de nuestros días.
Bach escribió más de 1.000 composiciones de todos los géneros. De hecho, la ópera es el único género musical por el que nunca mostró interés. Sus obras se recogen en el catálogo BWV (catálogo de obras de Bach) donde, no están clasificadas por orden cronológico sino por tipo de composición, por lo que el número de catálogo no nos dice el momento en el que se compuso la obra. Sus obras se dividían en instrumentales y en vocales.
Hay pocos instrumentos para los que Bach no haya compuesto algo, nunca en su vida se dejo influir de las opiniones del público y siempre estaba arreglando sus obras y perfeccionándolas. No quería lograr la aceptación del público sino que creía en que el artista educa al público. Los cantantes se quejaban de la complejidad de sus obras y la composición de sus coros. Cuando unía una a una las distintas voces del órgano los demás organistas y constructores se “asustaban” al emplear sus registros.
En 1747 cuando vio el nuevo teatro de la ópera de Berlín se dio cuenta de lo que era bueno o defectuoso en relación con el sonido. También lo llamaban para examinara a futuros organistas y nuevos órganos.
Todas sus obras son extremadamente difíciles y todas las voces suenan simultáneamente y de la misma dificultad; no se distingue voz principal. Sus voces empiezan juntas pero a mitad de camino por así decirlo se separan y a la “meta” se vuelven a juntar y suenan las dos juntas.
Componía sus obras con un estilo puro y cada una de ellas tiene su ritmo, melodía, carácter y armonía propios. Bach nunca escribió teoría y su enseñanza prosperó gracias a sus discípulos.
Sus obras no están impresas en papel ya que una vez oídas nadie las quería volver a oír. Por eso no se preocupaba por publicarlas. La única obra que tenía muchas copias era el clave, Beethoven tenía una copia a los once años. Mozart lo conoció por oír hablar de su obra pero cuando tubo la oportunidad de escucharla pidió ver la partitura, pero ya no existía.
Bach cuando componía infrigía las reglas establecidas:
- Hacía octavas y quintas consecutivas (en la enseñanza del contrapunto y la armonía se prohibía la progresión de dos voces desde un intervalo de quintas o de octavas a otro intervalo de la misma especie) escandalizando a cualquier principiante de composición.
- Duplicaba muy a menudo no sólo las notas casualmente aumentadas de la escala sino también las notas sensibles sin hacer octavas consecutivas (según las reglas de la época la nota sensible no podía ser duplicada porque la nota aumentada, por su naturaleza, debía ascender).
- Creía que sobre una nota fundamental podía ser ejecutado todo cuanto existiera en el ámbito de los tres géneros tonales, algo revolucionario para su época.
- En la mayor parte de los compositores de su época se encontraban una modulación y una armonía que progresaba lentamente, pero en la modulación de las piezas instrumentales de Bach cada progresión era una idea nueva.
- En sus piezas Bach retiene de una armonía la mayor parte pero mezcla en cada progresión algo emparentado progresando tan paulatinamente que no se siente ninguna transición dura o salto y, sin embargo, ningún compás se parece a otro, desconociendo aquellos efectos bruscos con los que los otros compositores pretendían asombrar a sus oyentes.
- La manera en que trataba la armonía y la modulación le era propia. En la unión de varias melodías cantables no hay ninguna que atraiga sobre sí toda la atención del oyente. La necesidad de cada voz de abrirse paso lleva a la melodía a giros inusitados, extraños, completamente nuevos y todavía no oídos en su época, lo cual le otorgaba una extrema originalidad.
- En aquella época era regla que un conjunto de voces debía formar un todo y contener todas las notas necesarias para la completa indicación del contenido de modo que en ninguna parte se sintiera cierta pobreza que permitiera añadir otra voz, regla que se aplicaba sólo para la escritura a dos, tres y cuatro voces. Bach extendió esta regla a la composición de una sola voz, algo muy novedoso. Supo concentrar en una sola voz todas las notas necesarias para una perfecta modulación de modo que una segunda voz no fuera necesaria.
- En aquella época los compositores empleaban gran cantidad de compases, métricas y ritmos para darle a sus piezas el carácter de trozos bailables (a la manera francesa). Bach llegó más lejos que cualquiera de sus antecesores. No dejó de probar y emplear ninguna especie de proporción métrica para hacer trozos tan diferentes como le fuera posible, con lo que llegó a dar a sus fugas todo el aspecto rítmico liviano y original posible. En sus fugas el canto ininterrumpido, derivado de un solo tema, hace que las voces restantes no sean sólo un mero acompañamiento sino un canto concordante, aunque independiente, de las otras.
Las cinco obras mas importantes que compuso Bach son:
LA PASION SEGUN SAN MATEO
Es el relato de San Mateo sobre la crucifixión y resurrección de Jesucristo, para solistas, coro y orquesta. Las palabras de la Biblia reciben el tratamiento de un drama, un poco a la manera de un oratorio, con partes intercaladas al estilo de las cantatas que reflejan el significado de los acontecimientos bíblicos. Bach utiliza también corales, algunos de ellos muy conocidos, para hacer aún más partícipes a los fieles. La obra es solemne, majestuosa y devocional.
MISA EN SI MENOR
Una enorme versión de la misa latina, tratada a la manera de una Pasión, con solos, conjuntos y coros, pero sin el material de reflexión adicional. Junto con la Pasión según San Mateo es una de las mayores realizaciones de la música sacra de Bach; algunos la consideran como la obra cumbre de su arte.
EL CLAVE BIEN TEMPERADO (I y II)
Cuarenta y ocho preludios y fugas breves, alternándose de dos en dos en cada tonalidad, para teclado solo (el clavecín es el instrumento habitual, pero el piano resulta igualmente efectivo). La obra fue escrita como resultado del obstinado interés que ponía Bach en el temperamento, es decir, la división de la octava en los doce semitonos idénticos. Ofrece al oyente un caleidoscopio de estilos y de habilidades interpretativas sobre los teclados, variado y fascinante.
CONCIERTOS DE BRANDENBURGO
Escritos para el Margrave de Brandenburgo, los seis Conciertos de Brandenburgo están destinados a diferentes grupos de solistas y cuerdas.
LA OFRENDA MUSICAL
Una serie de nueve cánones ricercares y fugas que manipulan el tema de todas las formas contrapuntísticas concebibles. El núcleo es una sonata a trío en tres movimientos y veinte minutos de duración, en un estilo parecido al de los Conciertos de Brandenburgo. Esta obra es con respecto a Bach lo que los últimos cuartetos de cuerda lo son a Beethoven: el fruto de toda una vida de experiencia creativa.
Es el relato de San Mateo sobre la crucifixión y resurrección de Jesucristo, para solistas, coro y orquesta. Las palabras de la Biblia reciben el tratamiento de un drama, un poco a la manera de un oratorio, con partes intercaladas al estilo de las cantatas que reflejan el significado de los acontecimientos bíblicos. Bach utiliza también corales, algunos de ellos muy conocidos, para hacer aún más partícipes a los fieles. La obra es solemne, majestuosa y devocional.
MISA EN SI MENOR
Una enorme versión de la misa latina, tratada a la manera de una Pasión, con solos, conjuntos y coros, pero sin el material de reflexión adicional. Junto con la Pasión según San Mateo es una de las mayores realizaciones de la música sacra de Bach; algunos la consideran como la obra cumbre de su arte.
EL CLAVE BIEN TEMPERADO (I y II)
Cuarenta y ocho preludios y fugas breves, alternándose de dos en dos en cada tonalidad, para teclado solo (el clavecín es el instrumento habitual, pero el piano resulta igualmente efectivo). La obra fue escrita como resultado del obstinado interés que ponía Bach en el temperamento, es decir, la división de la octava en los doce semitonos idénticos. Ofrece al oyente un caleidoscopio de estilos y de habilidades interpretativas sobre los teclados, variado y fascinante.
CONCIERTOS DE BRANDENBURGO
Escritos para el Margrave de Brandenburgo, los seis Conciertos de Brandenburgo están destinados a diferentes grupos de solistas y cuerdas.
LA OFRENDA MUSICAL
Una serie de nueve cánones ricercares y fugas que manipulan el tema de todas las formas contrapuntísticas concebibles. El núcleo es una sonata a trío en tres movimientos y veinte minutos de duración, en un estilo parecido al de los Conciertos de Brandenburgo. Esta obra es con respecto a Bach lo que los últimos cuartetos de cuerda lo son a Beethoven: el fruto de toda una vida de experiencia creativa.
