El Clasicismo comenzó aproximadamente en el 1750 y terminó en aproximadamente en 1820.
Algunos de los instrumentos actuales surgen en el Clasicismo, como por ejemplo, piano-forte, el arpeggione y el clarinete.
Piano-forte
Arpeggione, este instrumento deriva de la viola de gamba. Se inventó en el año 1823.
ClarineteEn este periodo nace la Orquesta Sinfónica. En la Orquesta Sinfónica hay más familias de instrumentos que en la Orquesta de Camara, como por ejemplo el viento madera, el viento metal, etc. Esta orquesta tiene mas de 80 músicos, excepto en algunos casos que llega a tener más de cien. Los músicos que haya en la orquesta también varia dependiendo del lugar, si es grande o pequeño, y depende la melodía que se va a tocar.
Agrupación de la Orquesta Sinfónica según la clase de instrumentos.
Las mejoras técnicas y las mejoras del sonido de los instrumentos, favorecen al desarrollo de la orquesta en el clasicismo.
Las ciudades músicales más importantes durante el Clasicismo fueron Mannehim y Viena, en las que algunos compositores desarrollaron una nueva forma instrumental para orquesta, la sinfonia,e introdujeron cambios en el arte instrumental.
Hay varios cambios de la orquesta barroca a la orquesta del clasicismo:
- Poco a poco van desapareciendo algunos instrumentos de la orquesta Barroca, como por ejemplo toda la familia de las violas de gamba.
- En la orquesta del Clasicismo se introduce el clarinete.
- En la orquesta del Clasicimo desaparece el órgano y el clavecín. Las trompas y las trompetas pasaron a tener un papel muy importante y el bajo contínuo pasó a tener un papel menos importante dentro de la orquesta.
Instrumentos de la orquesta del Clasicismo:
- Cuerda: violines, violas de gamba, violonchelos y contrabajos.
- Viento madera: 2 flautas, 2 clarinetes, 2 oboes, 2 fagots.
- Viento metal: 2 trompetas, 2 trompas y el trombón.
- Percusión: timbales
CARACTERÍSTICAS ESTILÍSTICAS
DEL CLASICISMO
(Aritx)
El clasicismo musical se inició a mediados del siglo XVIII en Europa, el periodo musical del clasicismo empezó al año 1750 y termina allá por el año 1820. La música clásica se originó en el periodo del clasicismo, la música clásica evolucionó en armonía y melodía, los compositores más famosos e importantes del clasicismo son Haydn, Mozart y Beethoven que dio un giro de tuerca a la revolución tonal de la música, que se basaron en las obras de Bach. Armónicamente los cambios no fueron muchos porque las principales reglas armónicas ya estaban establecidas. Pero en la textura se pueden observar grandes cambios, se utilizó un estilo más puro y más equilibrado, generalmente melodía acompañada y en ocasiones homofonía o polifonía vertical. También surgió el Bajo Alberti que produjo complejas fugas y cánones. La forma músical adquiere particular importancia y las melodías se vuelven cantibles y fue cunado se definieron la sonata, la sinfonía y el concierto clásico.
Sonata: Consta de tres o cuatro movimientos, está escrita para un solo instrumento o para un pequeño conjunto de dúos o tríos. Si es para una agrupación de cámara, puede ser un cuarteto; si es para una orquesta, recibe el nombre de sinfonía y si es orquestal con un solista es un concierto.
El concierto Clásico: Es la forma sonata aplicada a un instrumento solista con acompañamiento de orquesta. A mediados del siglo XVIII, el concierto clásico reemplazó al concierto grosso.
Sinfonía: Es una obra para una orquesta, dividida en cuatro movimientos, cada uno con un tiempo y estructura diferente. La forma de la sinfonía ha variado con el tiempo.
Los instrumentos que surgieron en este periodo fueron el piano-forte, el clarinete y el arpeggione (hermano del violonchelo y de la guitarra). Muchos de los instrumentos clásicos ya existían en el barroco pero se tuvieron que adaptar a los nuevos requisitos estilísticos de la época.
Se creó la orquesta sinfónica por Mozart y Haydn. La orquesta de cámara que venía del barroco aguantó la familia de cuerda y la ampliaron, se sacó el clavecín y el bajo continuo y ademas añadieron la familia de instrumentos de madera.
FOTOS Y VÍDEOS
AMADEUS MOZART
HAYDN
BEETHOVEN
CLASICISMO (Eloy)
COCIERTO
El concierto grosso pierde en estos momentos protagonismo frente al concierto a solo, que se convierte en el preferido por el público debido al interés que este presenta por el virtuosismo. Los mismos compositores que se dedican a la forma sinfonía, componen conciertos, generalmente en tres movimientos, para violín, violonchelo, flauta, clarinete, oboe o arpa. No eran comunes los conciertos para clavicémbalo, ya que la gente se interesba mas por el pianoforte.
SONATA
La sonata clásica es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, constituida para uno o dos instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las de cuatro movimientos.
Tiene cuatro movimientos:
- En el primer movimiento se sigue un esquema con tres partes, primero una exposición en la que el compositor nos presenta dos temas, uno enérgico y otro más melódico. En segundo lugar, el desarrollo en el que se establece una lucha entre los dos temas. Finalmente la reexposición, en la que la tensión armónica se resuelve al volver a escucharse los temas iniciales.
- El segundo movimiento, lento, suele ser un tema más melodioso, utilizándo una Canción lírica breve para voz solista y acompañamiento , con forma ternaria y lírico.
- El tercer movimiento tiene un carácter más desenfadado, generalmente en forma de minuetto, danza de origen francés.
- En el cuarto movimiento se adopta casi siempre la forma del rondó. Alterna secciones fijas con variables
La sonata está escrita para un solo instrumento o bien para un pequeño conjunto de dúos o tríos. La forma sonata, si es para una agrupación de cámara, puede ser un cuarteto, quinteto, etc... Si es para una orquesta, recibe el nombre de sinfonía, y si es orquestal ,pero con un solista, concierto.
SINFONIA
Sin ninguna duda, el género instrumental por excelencia de esta época es la sinfonía. Su composición ocupa a los músicos de todas las partes, aunque pronto comienza a destacar la Escuela de Milán, ciudad en la que trabaja Giovanni Battista Sammartini (1700-1775). Existen copias de sus sinfonías en Londres, Viena, Berlín y París, lo que permite hacerse con una idea adecuada de la importancia de su producción. Sus obras, generalmente estructuradas en tres tiempos, se caracterizan por sus ritmos vivaces, por el contraste de texturas y por la procuración del equilibrio.
La escuela más destacada de estes primeros años del Clasicismo es la de Mannheim. En esta ciudad residió el elector Karl Theodor, gran amante de las artes. Al lado de su regencia acudieron los músicos más sobresalientes de Europa, liderados por el compositor Johann Stamitz, que fue director de la orquesta desde 1745 hasta su muerte, en 1757.La cohesión y el entendimiento existentes entre el director y los intérpretes fue tal que la fama de la Orquesta de Mannheim llega hasta nuestros días.
Las sinfonías de Stamitz se caracterizan por la delicada expresión del fraseo, la precisión de la escritura para las cuerdas y, sobre todo, la importancia que el compositor le otorgó a las dinámicas.
La sinfonía probablemente alcanzó su madurez con Ludwig van Beethoven. Sus sinfonías solían tener un primer movimiento Allegro de forma sonata, un movimiento lento, un movimiento con ritmo ternario, para finalizar con otro movimiento rápido.
Los compositores de la escuela vienesa de mitad del siglo XVIII, debedora del lenguaje orquestal, creada por la escuela de Mannheim, solía hacer uso de la masa instrumental en sus sinfonías e, influidos por el melodismo italiano, muestran un claro interés por la explotación de motivos cortos.
El género sinfónico tiene también en París ciertas particularidades de estilo, si bien fue tan grande el prestigio de las composiciones de Stamiz que, se adoptaron como modelo por los compositores franceses. Las sinfonías francesas constan generalmente de tres tiempos, como en el modelo italiano.
La sinfonía tiene cuatro tiempos: el allegro, que adopta la forma de sonata; el segundo tiempo, lento; el tercero, un minueto; y el cuarto, allegro brillante.
El nacimiento del Concierto Público, clasicísmo (David)
El nacimiento del concierto público, fue sobre el 1570, en un principio, no estaba destinado al público, es decir que los músicos ofrecían conciertos de música a particulares, en fiestas organizadas por ellos o celebraciones. La categoría de gente en la cual disfrutaba de agradable música, eran las personas ricas, reyes…etc.
En París, en los años 16…, especialmente en el 1642, algún músico empezó a crear obras especialmente para esta nueva modalidad, que acababa de comenzar, y entre poetas franceses e italianos como JEAN LEMAIRE 0JACQUES CHAMPION DE CHAMBONNIÈRES de origen francés y ahora vienen los de origen italiano que procedían de Florencia (Italia) como
Benedetto Ferrari o Francesco Menelli y las obras que eran originarias de sus países eran en Francia “Los Divertimeintos” de las obras de Moliére y en Italia eran las “Diversiones Musicales”.
En Gran Bretaña, esta moda de conciertos creada por los franceses e italianos, la adoptaron los ingleses, y a raíz de allí, estos crearon alguna iniciativa para atraer visitantes y que se culturizaran con la música.
A partir de que los ingleses adoptaran este tipo de expresar de música, se crearon teatros tanto en francia, Italia e Inglaterra, y se adoptó una medida, que era el concierto pagado, a través de unos bonos, y aquí va un nombre de un teatro francés que fue importante a la hora de expresar conciertos es: “Cambert & Perrin”.
En el año 1676, al ir bien los conciertos musicales, la gente que tenía dinero iba bastante, pues a Thomas Mace se le ocurrió crear como una especie de un Musik room, donde la gente pagaba y disfrutaba de buena música y un concierto magnífico.
A partir de allí, mucha gente aficionada a la música y si disponían de liquidez suficiente, pues creaban salas o espacios donde se impartían conciertos con pago de un bono o una entrada.
Al final este tipo de concierto que habían creado los franceses e italianos y luego que se les unieron los ingleses, pues se extendió por toda europa, creando agrupaciones tanto en Londres y la característica principal en España “ La orquesta Sinfónica” de Madrid, que hoy en día sigue sobreviviendo y ofreciendo conciertos magníficos.
Orquesta sinfónica de Madrid
Orquesta sinfónica de París
O.sinfónica Londres
O. Sinfónica de ParísO. Sinfónica de MadridOrchestra di Venezia
Orquesta sinfónica de LondresClasicismo: El nacimiento de la orquesta clásica (Oscar)
El nacimiento de la orquesta clásica
Mozart Beethoven Haydn
Definición de orquesta
Es necesario conocer, antes de la explicación, el concepto de orquesta:
La palabra orquesta procede de orchestra y significa lugar para danzar. Se trata de un conjunto de instrumentistas e instrumentos que ejecutan una obra musical.
Principales compositores y ciudades de producción de música clásica
Durante el Clasicismo la orquesta vivió su mayor evolución y desarrollo. Stamitz estableció la primera orquesta clásica como tal: la orquesta de Mannheim. Fue la primera orquesta que utilizó los matices piano, crescendo, forte…
Algunos ejemplos de compositores que incluyeron nuevos instrumentos y matices a sus obras son → Beethoven incluye en su Sinfonía nº 5 un instrumento utilizado hasta entonces únicamente en música religiosa y ópera: el trombón. Otro ejemplo es → Mozart dirigió varias de sus óperas desde el clave, al igual que hizo Haydn con sus sinfonías.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.
Franz Joseph Haydn (1732-1809) fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el «Padre de la sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata.
Otro compositor que cabe mencionar es Boccherini. Éste nace en la Toscana italiana entre el seno de una familia de músicos. Elige como instrumento el violonchelo, que también tocaba su padre, de quien recibe las primeras lecciones. Más tarde se instala en Madrid como violonchelista y compositor de la capilla real del infante Luis Antonio, hermano menor el rey Carlos.
Enamorado de la música de cámara, escribió infinidad de duetos, tríos, cuartetos y quintetos para distintas agrupaciones de cuerda, a las que añadía en ocasiones otros instrumentos, así como música orquestal.
Como ya he nombrado anteriormente, uno de los principales centros de producción musical, catalizadores del "nuevo estilo" y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta fue Mannheim. Otra ciudad importante fue Viena, donde se compusieron obras de los más importantes compositores de la época. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad de la forma sinfónica. Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para experimentar una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por los detalles de fraseo (técnica de cantar o interpretar una composición destacando el comienzo y el final de cada frase), la utilización de unos recursos, como los llamados crescendo y diminuendo y el carácter representativo de las obras.
A principios del período clásico (s.XVIII), la orquesta estaba compuesta por dos oboes, dos trompas y el grupo de cuerdas. Poco a poco se fueron incorporando otros instrumentos de viento, como las flautas traveseras -por estas fechas la flauta y el oboe eran tocados por un mismo instrumentista- y las trompetas. Como elemento de precisión rítmica se hizo uso de los timbales. Los trombones, en cambio, no tuvieron lugar en la orquesta sinfónica; su utilización quedó relegada a ópera y a la música sacra. Esta palabra significa santo y hace referencia a la forma de expresión musical nacida en Europa hacia la Alta Edad Media y desarrollada como parte de los ritos cristianos de la época, aunque por extensión también es aplicable a las diferentes manifestaciones músico-religiosas de otros pueblos, ya sean de origen hindú, budista, árabe, judío, etc. Es aquí donde doblaban las partes de contralto, tenor y bajo. Asimismo, se incorporaron poco a poco otros instrumentos como el clave y el clarinete.
Este último instrumento fue empleado en la renombrada Orquesta de Mannheim, incorporando dos al conjunto hacia 1758. Pero fue Mozart quien, a finales de siglo, abrió el camino a este instrumento.
Esta es la disposición de las diferentes familias de instrumentos en la orquesta clásica:
Como se puede apreciar, la percusión se situa detrás, por la izquierda y la derecha se observa la familia de cuerdas (de detrás a delante de graves a agudos), quedando la parte central el viento metal y por delante el viento madera.
Esta es la disposición de las diferentes familias de instrumentos en la orquesta clásica:
Como se puede apreciar, la percusión se situa detrás, por la izquierda y la derecha se observa la familia de cuerdas (de detrás a delante de graves a agudos), quedando la parte central el viento metal y por delante el viento madera.
Las formas instrumentales
Las formas instrumentales del Clasicismo son las siguientes:
La orquesta sinfónica: SU ESTANDARIZACIÓN
Se trata de una forma instrumental compleja para orquesta y solista.
El periodo del Clasicismo es una época clave para la orquesta porque aquí se configura claramente la Orquesta Sinfónica como tal, por influencias mayormente de Mozart y Haydn. Podríamos decir que es una continuación más ampliada de la orquesta de cámara (forma musical de pequeño tamaño que contiene diversos instrumentos) y su forma continúa hasta la actualidad interpretando tanto música clásica como "culta" contemporánea.
Si antes se ha definido la orquesta groso modo, ahora podemos concretar con la definición de la Orquesta Sinfónica (u Orquesta filarmónica): es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos musicales, como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda. Tiene generalmente más de ochenta músicos en su lista. Sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser ejecutada y el tamaño del lugar en donde tendrá lugar la presentación de dicha obra, como es lógico.
La estructura más habitual de la obra sinfónica consta de cuatro movimientos:
1º. Allegro: siempre es una forma sonata*.
2º. Adagio: puede tener forma sonata, binaria, ternaria o variaciones.
3º. Minueto o Scherzo: movimiento en forma ternaria.
4º. Allegro: en forma rondó*, sonata o variaciones.
*Sonata: Composición para uno o dos instrumentos,estructurada en tres o cuatro tiempos.
*Rondó: Composición musical, popular entre los siglos XVIII y XIX, cuyo tema se repite en veces sucesivas.
Concierto clásico
El concierto es la forma en que los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en una composición, determinando así la cualidad sonora global de una pieza. En Inglaterra, ya existían numerosos conciertos a partir de 1640, organizada por primera vez en las tabernas, y habitaciones, donde llevaban a cabo las sociedades musicales. En la década de 1770, los conciertos calificados de semi-pública comenzaron a surgir: Concert de la Loge Olympique y el Concert des Amateurs. En las otras ciudades de Francia, como en Grenoble, en Nantes o Burdeos, se celebran conciertos, a menudo por academias o instituciones como la Masonería. Estas compañías a menudo se congregan en los conciertos a partir aficionados y músicos profesionales, donde poco a poco se hacen cargo. Los primeros conciertos regulares comienzan a crecer y aparecen "los conciertos benéficos" y los conciertos espirituales, en lugares como París, pero no sólo en las provincias, sino también en otras capitales como Viena y Moscú.Ya en el Siglo XIX comienza una diversificación de conciertos, concierto vocal o instrumental, incluso conciertos interpretados por un solo instrumentista. Con la creación de la orquesta moderna han nacido grandes conciertos orquestales.
La estructura más habitual del concierto se compone de tres movimientos:
1º. Allegro: forma sonata pero con una doble exposición para su interpretación por el solista y la orquesta. Este movimiento suele terminar con una cadencia virutosa interpretada por el solista sin apenas acompañamiento.
2º. Adagio: puede tener forma sonata, binaria, ternaria o variaciones.
3º. Allegro: en forma rondó, sonata o variaciones.
Concierto para solista
El concierto clásico para solista y orquesta reemplazará al concierto grosso barroco. Así, desde finales del siglo XVIII se utiliza simplemente la denominación de concierto para hacer referencia a una obra escrita para un instrumento solista combinado con la orquesta.
Concierto público: Mozart
Mozart compuso muchas obras abiertas para el público en general (conciertos públicos) las cuales tuvieron mucha fama, lo que le permitió ser independiente a la hora de expresarse musicalmente y componer. Los conciertos públicos son más propios de la época Clásica que de la Barroca. En esta última la audiencia que asistía a escuchar música era de número más limitidado, formada por grupos de gente privilegiada o perteneciente al círculo próximo de los músicos. Se puede decir que Mozart experimentó una gran satisfacción por el éxito público de algunos de sus trabajos, destacando La flauta mágica (representada en numerosas ocasiones en el corto período entre su estreno y la muerte del compositor) y la Pequeña cantata masónica KV 623, estrenada el 15 de noviembre de 1791. En marzo de 1791, Mozart ofreció en Viena uno de sus últimos conciertos públicos; tocó el Concierto para piano y orquesta KV 595.
Curiosidades
El director de la orquesta cumple una función clave en la orquesta sinfónica, e incluso de la formación musical. Es una persona que no sólo mantiene el tiempo de la pieza y da las entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu original de la obra pero dando una visión personal. Aunque esto nos parezca normal, el director en la orquesta no apareció hasta el s.XIX, puesto que fue exigido por el concertino.
Sinfonía 5 de Beethoven:
Las formas instrumentales del Clasicismo son las siguientes:
La orquesta sinfónica: SU ESTANDARIZACIÓN
Se trata de una forma instrumental compleja para orquesta y solista.
El periodo del Clasicismo es una época clave para la orquesta porque aquí se configura claramente la Orquesta Sinfónica como tal, por influencias mayormente de Mozart y Haydn. Podríamos decir que es una continuación más ampliada de la orquesta de cámara (forma musical de pequeño tamaño que contiene diversos instrumentos) y su forma continúa hasta la actualidad interpretando tanto música clásica como "culta" contemporánea.
Si antes se ha definido la orquesta groso modo, ahora podemos concretar con la definición de la Orquesta Sinfónica (u Orquesta filarmónica): es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos musicales, como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda. Tiene generalmente más de ochenta músicos en su lista. Sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser ejecutada y el tamaño del lugar en donde tendrá lugar la presentación de dicha obra, como es lógico.
La estructura más habitual de la obra sinfónica consta de cuatro movimientos:
1º. Allegro: siempre es una forma sonata*.
2º. Adagio: puede tener forma sonata, binaria, ternaria o variaciones.
3º. Minueto o Scherzo: movimiento en forma ternaria.
4º. Allegro: en forma rondó*, sonata o variaciones.
*Sonata: Composición para uno o dos instrumentos,estructurada en tres o cuatro tiempos.
*Rondó: Composición musical, popular entre los siglos XVIII y XIX, cuyo tema se repite en veces sucesivas.
Concierto clásico
El concierto es la forma en que los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en una composición, determinando así la cualidad sonora global de una pieza. En Inglaterra, ya existían numerosos conciertos a partir de 1640, organizada por primera vez en las tabernas, y habitaciones, donde llevaban a cabo las sociedades musicales. En la década de 1770, los conciertos calificados de semi-pública comenzaron a surgir: Concert de la Loge Olympique y el Concert des Amateurs. En las otras ciudades de Francia, como en Grenoble, en Nantes o Burdeos, se celebran conciertos, a menudo por academias o instituciones como la Masonería. Estas compañías a menudo se congregan en los conciertos a partir aficionados y músicos profesionales, donde poco a poco se hacen cargo. Los primeros conciertos regulares comienzan a crecer y aparecen "los conciertos benéficos" y los conciertos espirituales, en lugares como París, pero no sólo en las provincias, sino también en otras capitales como Viena y Moscú.Ya en el Siglo XIX comienza una diversificación de conciertos, concierto vocal o instrumental, incluso conciertos interpretados por un solo instrumentista. Con la creación de la orquesta moderna han nacido grandes conciertos orquestales.
La estructura más habitual del concierto se compone de tres movimientos:
1º. Allegro: forma sonata pero con una doble exposición para su interpretación por el solista y la orquesta. Este movimiento suele terminar con una cadencia virutosa interpretada por el solista sin apenas acompañamiento.
2º. Adagio: puede tener forma sonata, binaria, ternaria o variaciones.
3º. Allegro: en forma rondó, sonata o variaciones.
Concierto para solista
El concierto clásico para solista y orquesta reemplazará al concierto grosso barroco. Así, desde finales del siglo XVIII se utiliza simplemente la denominación de concierto para hacer referencia a una obra escrita para un instrumento solista combinado con la orquesta.
Concierto público: Mozart
Mozart compuso muchas obras abiertas para el público en general (conciertos públicos) las cuales tuvieron mucha fama, lo que le permitió ser independiente a la hora de expresarse musicalmente y componer. Los conciertos públicos son más propios de la época Clásica que de la Barroca. En esta última la audiencia que asistía a escuchar música era de número más limitidado, formada por grupos de gente privilegiada o perteneciente al círculo próximo de los músicos. Se puede decir que Mozart experimentó una gran satisfacción por el éxito público de algunos de sus trabajos, destacando La flauta mágica (representada en numerosas ocasiones en el corto período entre su estreno y la muerte del compositor) y la Pequeña cantata masónica KV 623, estrenada el 15 de noviembre de 1791. En marzo de 1791, Mozart ofreció en Viena uno de sus últimos conciertos públicos; tocó el Concierto para piano y orquesta KV 595.
Curiosidades
El director de la orquesta cumple una función clave en la orquesta sinfónica, e incluso de la formación musical. Es una persona que no sólo mantiene el tiempo de la pieza y da las entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu original de la obra pero dando una visión personal. Aunque esto nos parezca normal, el director en la orquesta no apareció hasta el s.XIX, puesto que fue exigido por el concertino.
Sinfonía 5 de Beethoven:
Flauta mágica de Mozart:
Concierto Allegro de trompeta de Haydn:
Sinfonía 2, Orquesta de Mannheim de Stamitz:
http://www.youtube.com/watch?v=8nYsMIoCrt8
Concierto violoncelo Si Bemol mayor de Boccherini:
http://www.youtube.com/watch?v=8nYsMIoCrt8
Sinfonía 104 de Haydn:
http://www.youtube.com/watch?v=ffBK-EYjs90
Orquesta clásica de Asturias: Sinfonía nº1 en DO mayor, op. 21 de Beethoven:
http://www.youtube.com/watch?v=hg0YNb-n034
http://www.youtube.com/watch?v=ffBK-EYjs90
Orquesta clásica de Asturias: Sinfonía nº1 en DO mayor, op. 21 de Beethoven:
http://www.youtube.com/watch?v=hg0YNb-n034
